La Historia del ARTE

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Saludos a todos

Nacimiento (de la serie Abnormal Fobia Pigmentation)Nacimiento es una pintura abstracta de gran formato que representa u...
14/04/2024

Nacimiento (de la serie Abnormal Fobia Pigmentation)

Nacimiento es una pintura abstracta de gran formato que representa un parto, parte de una serie de 13 pinturas al óleo que reinterpretan temas tradicionales en la historia del arte occidental. El trabajo desafía la representación del cuerpo como productor de significados y experiencias, al tiempo que demarca subjetivamente las relaciones entre esas experiencias y el papel de la mujer en la sociedad. La artista suele oscilar entre la abstracción y el arte figurativo. El título se refiere a una condición de retina llamada pigmentación anormal de la fóvea, que causa visión distorsionada, un guiño a la abstracción.

Detalles
Título: Nacimiento (de la serie Abnormal Fobia Pigmentation)

Creador: Amanda Carmona Bosch

Vida del creador: 1956

Lugar de nacimiento del creador: San Juan, Puerto Rico

Fecha de creación: 2000

Lugar de creación: Puerto Rico

Dimensiones físicas: 78" x 109" (198.1 x 276.8 cm.)

Origen: Courtesy of: Amanda Carmona Bosch

Tipo: Painting

Derechos: Amanda Carmona Bosch
Técnica artística: Oil
Manifestación artística: Painting
Ayuda: canvas

Fuente
https://artsandculture.google.com/

Historia del ARTE

La presencia de la mente (1960)DetallesTítulo original: La présence d'esprit (The Presence of Mind)Creador: René Françoi...
14/04/2024

La presencia de la mente (1960)

Detalles
Título original: La présence d'esprit (The Presence of Mind)
Creador: René François Ghislain Magritte
Vida del creador: 1898/1967
Fecha: 1960
Origen: Préstamo permanente de colección privada desde 2017
Tipo: Cuadro
Derechos: © VG Bild-Kunst, Bonn 2023
Técnica artística: Óleo sobre cavas
Ancho: 89cm
Altura: 116cm

Fuente
https://artsandculture.google.com

En la mitología griega, el niño Ganímedes fue llevado al cielo, al hogar de los dioses en el Olimpo, para ser su catador...
01/03/2024

En la mitología griega, el niño Ganímedes fue llevado al cielo, al hogar de los dioses en el Olimpo, para ser su catador. Según la leyenda, fue Zeus, con forma de águila , quien se llevó al hermoso niño de Frigia, en el noroeste de Asia Menor ( Turquía ). El efecto de la escultura de Thorvaldsen se crea principalmente por el contraste entre la piel suave del niño y su naturaleza confiada, que se yuxtapone a la representación detallada de las plumas del águila, su mirada dura y su pico afilado. Ganímedes ocuparía el lugar de H**e como catador de los dioses, porque derramó la bebida (el néctar) que hacía inmortales a los dioses. Thorvaldsen modeló la escultura grupal en 1817 y existe en varias copias de mármol.

Título: Ganymede with Jupiter's Eagle
Vida del creador: 1770-11-19/1844-03-24
Nacionalidad del creador: danés
S**o del creador: Masculino
Fecha de creación: 1817
Sculptor: Bertel Thorvaldsen
Dimensiones físicas: w1183 x h93.3 cm (Complete)
Tipo: Sculpture
Derechos: Thorvaldsens Museum

https://historiadelarte-oficial.blogspot.com/2024/02/ganymede-with-jupiters-eagle-1827.html?m=1

Todos los dioses de la mitología griega clásica fueron invitados a una fiesta, excepto Eris, la diosa de la lucha. Ella ...
01/10/2023

Todos los dioses de la mitología griega clásica fueron invitados a una fiesta, excepto Eris, la diosa de la lucha. Ella se vengó arrojando una manzana dorada con la inscripción “A la diosa más bella” entre los invitados a la fiesta. Pero no se pudo llegar a un acuerdo sobre quién era la más bella de las diosas. Por lo tanto, la elección fue dada al hijo terrenal de un rey, Paris. La elección era entre Juno, Minerva y Venus, y fue esta última, diosa de la belleza y el amor, quien ganó y recibió la manzana. La escultura representa a Venus después del concurso de belleza. Con una mano agarra la ropa del tocón del árbol para volver a ponérsela. Con la otra sostiene la muestra de belleza ante su mirada de admiración.

Título en inglés: Venus with the Apple
Vida útil del creador: 1770-11-19/1844-03-24
Nacionalidad del creador: danés
Género del creador: masculino
Fecha de creación: 1813/1816
Escultor: Bertel Thorvaldsen
Dimensiones físicas: h160,8 cm (completo)
Tipo: Escultura
Derechos: Museo Thorvaldsens

Todos los dioses de la mitología griega clásica fueron invitados a una fiesta, excepto Eris, la diosa de la lucha. Ella se vengó arrojando ...

Cuadro Guernica de Pablo PicassoGuernica es un cuadro pintado a óleo el año 1937 por el pintor, escultor y poeta español...
01/10/2023

Cuadro Guernica de Pablo Picasso

Guernica es un cuadro pintado a óleo el año 1937 por el pintor, escultor y poeta español Pablo Ruiz Picasso (Málaga, España 1881-Mougins, Francia 1973).

El cuadro fue un encargo para el pabellón español de la exposición internacional en París de 1937.

Guernica es considerada una pintura propagandística por su motivo de protesta contra los bombardeos aéreos alemanes a la ciudad de Villa Vasca de Guernica en 1937, enmarcándose en la guerra civil española.

Se considera uno de los cuadros más importantes de la carrera del pintor Pablo Picasso y del siglo XX, debido a su mensaje político que se mezcla con con elementos cubistas y expresionistas que lo tornan único.

El cuadro mural se encuentra actualmente en el Museo de Arte Reina Sofía en Madrid, España, y mide 349,3 cm de alto x 776,6 cm de ancho.

Contexto histórico
Villa Vasca de Guernica sufrió un violento bombardeo de las fuerzas de aviación alemanas el 26 de abril de 1937. Guernica no tenía importancia militar ni estratégica, y por eso provocó una reacción popular contra el sacrificio absurdo de inocentes, lo que repercutió en la opinión pública internacional.

Mi trabajo es un grito de denuncia de la guerra y de los ataques de los enemigos de la República establecida legalmente tras las elecciones del 31 (...). La pintura no está para decorar apartamentos, el arte es un instrumento de guerra ofensivo y defensivo contra el enemigo. La guerra de España es la batalla de la reacción contra el pueblo, contra la libertad. En la pintura mural en la que estoy trabajando, y que titularé Guernica, y en todas mis últimas obras, expreso claramente mi repulsión hacia la casta militar, que ha sumido a España en un océano de dolor y muerte.
Pablo Picasso, 1937.

Análisis del cuadro Guernica
Guernica es un cuadro polícromo de negro, gris, azul y blanco con un fuerte contraste claroscuro.

El cuadro refleja la dualidad de dos escenas en una: la parte izquierda parece el interior de una casa y la parte derecha el exterior, unidos y separados a la vez por umbrales.

El umbral es un símbolo importante en el imaginario artístico. Este se permite el tránsito del interior al exterior y viceversa, y comunica diversos espacios y mundos. Por lo tanto, cuando se cruza cualquier umbral, pasas para una zona peligrosa de batallas invisibles pero reales: el subconsciente.

Para la unificación de los diferentes aspectos del cuadro, Picasso usa la técnica del cubismo sintético que consiste en trazar una línea recta a lo largo del cuadro, unificando con ello las formas inconexas.

La luz en el cuadro es crucial para mostrar el dramatismo y la conexión entre los diferentes personajes al estar todos iluminados y todos juntos en este sufrimiento.

Análisis de los personajes en Guernica
La composición de Guernica nos muestra 9 personajes. Entre ellos están 4 mujeres, un caballo, un toro, un pájaro, una bombilla y un hombre.

LAS MUJERES
Las mujeres son efectivas para mostrar el sufrimiento y el dolor antes, durante y después de una guerra por su cualidad emocional.

Las dos mujeres que claman al cielo por justicia están una en cada extremo del cuadro enmarcando el sufrimiento. La mujer de la izquierda clama por la muerte de su hijo y la mujer de la derecha clama por el fuego que la consume.

La mujer que clama por la muerte de su hijo representa el dolor psíquico como también sugiere la iconografía de una Piedad.

La mujer que es consumida por el fuego representa el dolor físico. Picasso consigue aumentar la sensación de encierro al circunscribirla en un cuadrado.

Las otras dos mujeres del cuadro crean movimiento desde la derecha hacia el centro de la obra. La mujer más pequeña parece absorta con la luz que emana la bombilla en el centro de la sala, por lo que su cuerpo (en diagonal) completa la composición triangular.

La otra mujer, que parece más un espectro, se asoma por una ventana portando una vela en dirección a la figura central del caballo. Ella es la única imagen etérea y la única que sale o entra por una ventana o umbral, transitando de un mundo a otro.

EL CABALLO
Herido con una lanza, el caballo sufre contorsiones cubistas de cabeza, lengua y cuello. Se acentúa su sufrimiento con el cuchillo que tiene por lengua en su boca abierta.

EL TORO
El toro al lado izquierdo del cuadro está sorprendentemente impasible. El toro es el único que mira al público y se comunica con él en una forma que los otros personajes no lo logran.

Pablo Picasso, en la década de los 30, hace del toro un animal recurrente en su iconografía hasta convertirlo en el símbolo del laberinto de su vida.

EL PÁJARO
El pájaro está muy sutil entre los dos animales fuertes del cuadro: el toro y el caballo. Pero eso no le impide graznar a los cielos de la misma manera que hacen las mujeres que se enmarcan a cada lado del cuadro.

LA BOMBILLA
La bombilla, con rayos tan poderosos como un sol, ilumina la orgía de la destrucción humana, del sacrificio de inocentes.

La bombilla interior, representada como un sol, juega con la ambigüedad y dualidad de no saber si es noche o día, interior o exterior. Nos transporta a un mundo fuera de este mundo.

La bombilla también es una representación de un ojo. El ojo que todo lo ve. Y que ve esta catástrofe. Es por lo tanto, un ojo castrado por la sociedad al no ver la realidad obscena de destrucción, dolor y muerte.

EL HOMBRE
El hombre es representado por una sola figura, en el suelo, con los brazos abiertos extendidos en forma de cruz y fragmentado.

Ubicado a lo largo del suelo de la parte izquierda, vemos su brazo amputado, ya separado del cuerpo, aún empuñando una espada rota junto a una única y minúscula flor ubicada en el centro inferior del cuadro representando la esperanza sin sentido.

Las rayas en el brazo simbolizan la flagelación. Esto, junto con sus brazos abiertos en forma de cruz que simboliza la crucifixión, nos entrega un mensaje complejo sobre el sufrimiento y el sacrificio del hombre.

Guernica es un cuadro pintado a óleo el año 1937 por el pintor, escultor y poeta español Pablo Ruiz Picasso (Málaga, España 1881-Mougins, Fr...

Los secretos de la estatua sedente de kefrénEsta espléndida obra de arte de 4.500 años representa al faraón Kefrén, hijo...
01/10/2023

Los secretos de la estatua sedente de kefrén

Esta espléndida obra de arte de 4.500 años representa al faraón Kefrén, hijo de Keops, en la cúspide de su poder, está considerada una obra maestra de la estatuaria egipcia.

Durante décadas, y antes de su sustitución por el monumental edificio del Nuevo Museo Egipcio que se alza junto a las pirámides de Giza, el viejo museo egipcio de la plaza Tahrir, en El Cairo, ha sido el museo de antigüedades faraónicas más importante del mundo, un lugar mágico donde podían contemplarse algunas de las obras de arte más increíbles del antiguo Egipto.

Estatuas de piedra, sarcófagos, ajuares funerarios, tesoros como el de Tanis o el de Tutankhamón... Una visita a este lugar era un maravilloso viaje en el tiempo, pasear por sus salas era establecer un poderoso vínculo con una civilización desaparecida hace mucho, mucho tiempo, pero que a pesar de ello nos ha dejado innumerables vestigios de su existencia. En una de sus salas, en la planta baja, dedicada al Reino Antiguo (2543-2120 a.C.), se ubicaba,tal vez, una de las obras de arte más bellas y fascinantes que ha dado el arte egipcio. Estamos hablando de la estatua sedente del faraón Kefrén,tallada en un único bloque de diorita.

UN DESCUBRIMIENTO SORPRENDENTE
La estatua, que con su media sonrisa parece contemplar desde el abismo de los milenios al asombrado visitante que la ve por primera vez, fue descubierta en 1860 por el francés Auguste Mariette,por entonces jefe del Servicio de Antigüedades de Egipto, durante unas excavaciones en Giza. El egiptólogo se hallaba excavando el complejo funerario de Kefrén, concretamente el templo del valle del monarca (que él mismo había descubierto en 1852), un recinto donde tuvieron lugar las ceremonias de purificación de la momia del soberano antes de que esta fuera llevada hasta el templo alto, situado junto a la pirámide, a través de una larga calzada ceremonial.

El templo del valle de Kefrén está a 500 metros de su pirámide y se sitúa cerca de la Gran Esfinge. El edificio es de planta cuadrada y sus muros(que no muestran ningún tipo de decoración) están recubiertos de losas de granito rojo y el pavimento es de caliza blanca.En él, los antiguos egipcios dispusieron un ambicioso programa iconográfico compuesto por un conjunto de 23 estatuas que representaban a Kefrén. Todas ellas tenían un significado religioso. Debían servir como receptáculo del ka o fuerza vital del faraón difunto.

Mucho después, algunas de estas estatuas fueron enterradas en un pozo que se cubrió con losas de piedra, y fue allí donde, siglos después, las descubrió Mariette. El egiptólogo escribió en su diario: "Se trata de siete estatuas que representan al rey Kefrén. Cinco de ellas se encuentran mutiladas, pero las otras dos están completas. Una de ellas presenta un estado de conservación tal que podría pensarse que salió ayer mismo de manos del escultor".

EL PODER DEL FARAÓN EN PIEDRA
Esta obra de arte, realizada para ser vista frontalmente, mide 1,68 metros de alto, 57 centímetros de ancho y 96 centímetros de largo. Representa a Kefrén, faraón de la dinastía IV y artífice de la segunda pirámide más grande de Giza (la mayor es la construida por su padre Keops), un monumento que aún conserva en su cúspide parte del revestimiento original de piedra caliza. La estatua muestra a Kefrén como un hombre joven con un físico perfecto, atlético, vestido solamente con un faldellín, tocado con el pañuelo nemes ceremonial y con la barba postiza característica de su cargo (que está rota). Su rostro esboza una tenue sonrisa y su mirada se pierde en el infinito.

Tras el faraón, un halcón, representación del dios Horus, divinidad con la cual se identificaba el monarca en vida, extiende sus alas alrededor de la cabeza de Kefrén, brindándole su protección. Los brazos del rey están pegados al cuerpo y posa su mano izquierda extendida sobre su rodilla.

La mano derecha, también sobre la rodilla, está cerrada en un puño y parece sujetar un rollo de papiro, símbolo de su poder. Por su parte, el trono sobre el que está sentado Kefrén está rematado por patas en forma de garras de león y sus laterales están decorados con el símbolo del sematauy,las plantas del loto y el papiro entrelazadas, que representan la unión del Alto y del Bajo Egipto.

UN NUEVO HOGAR
Pero no muchos saben que esa maravillosa obra de arte estuvo a punto de no quedarse en Egipto. Debido a la falta de fondos, la campaña de excavaciones emprendida por Mariette entre los años 1853 y 1854 sufrió un importante parón y Francia no pudo hacerse con la pieza. "Unos cientos de francos más y la estatua estaría hoy en el Louvre", escribió Mariette en su diario.

La estatua de Kefrén recaló primero en el Museo de Bulaq, antecedente del Museo Egipcio de El Cairo, para después ser trasladada al museo que se habilitó en la plaza Tahrir, donde se ha exhibido hasta ahora. En septiembre de 2017, la estatua de Kefrén, que hasta entonces había sido la estrella de una de las salas de la planta baja del museo, fue cuidadosamente embalada, junto a otras piezas de gran tamaño, como ella, e introducida en una caja con sensores.

Con sumo cuidado fue colocada en una furgoneta especialmente preparada con dispositivos especiales para evitar las vibraciones propias del transporte, y fue trasladada a su nuevo hogar, el GEM, cerca de su pirámide, donde fue descargada,junto a sus compañeras, y conducida al interior de su nuevo emplazamiento mediante vehículos montacargas, en una operación delicada y no exenta de peligros. Allí, una de las piezas más bellas y tal vez más emblemáticas de la cultura faraónica disfrutará de un lugar de honor y muy pronto, cuando el Gran Museo Egipcio abra sus puertas, volverá a ser admirada por millones de visitantes.

Esta espléndida obra de arte de 4.500 años representa al faraón Kefrén, hijo de Keops, en la cúspide de su poder, está considerada una obra ...

El panel muestra un león caminando y rugiendo y una vez fue parte de la sala del trono del rey Nabucodonosor II en su pa...
30/09/2023

El panel muestra un león caminando y rugiendo y una vez fue parte de la sala del trono del rey Nabucodonosor II en su palacio en la antigua ciudad de Babilonia . Estos leones rugientes enfatizaron el poder y la fortaleza del rey babilónico.
Era neobabilónica, reinado del rey Nabucodonosor II, 605-562 a. C., Babilonia, Mesopotamia , Irak. (El museo británico).

Fuente: worldhistory

Retrato de la princesa María Franziska de Liechtenstein (1834-1909) a la edad de dos años. Artista: Friedrich von Amerli...
28/09/2023

Retrato de la princesa María Franziska de Liechtenstein (1834-1909) a la edad de dos años.

Artista: Friedrich von Amerling

Pintura Óleo sobre cartón.

Fecha 1836

Dimensiones 33x27cm

Dirección

Buenos Aires

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