Museo Goya. Colección Fundación Ibercaja - Museo Camón Aznar

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Museo Goya. Colección Fundación Ibercaja - Museo Camón Aznar

Colección Fundación Ibercaja | Museo Camón Aznar. Cerrado temporalmente al público por trabajos de ampliación.
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31/08/2026

En cuatro obras, Goya elige qué merece brillar y nunca es el foco esperado:

- El 3 de mayo de 1808 (1814). Hay un farol en el suelo, pero la verdadera luz de la escena es otra: la camisa blanca del condenado, convertida en símbolo de inocencia.

- La Lectura (Pinturas Negras, h. 1820-1823). La camisa de la figura central forma un triángulo de luz que arde entre hombres sumidos en la sombra.

- ¡Qual la descañonan!, Los Caprichos nº21 (1799). Dos figuras oscuras despluman a una víctima semidesnuda, y es ella, no sus verdugos, el único punto de luz pura de todo el aguafuerte.

- Cristo en el huerto de los olivos (1819). La túnica de Jesús es el foco de luz de toda la obra.

Cuatro destellos, un solo genio. Adéntrate en la luz de Goya y descubre por qué nada es casualidad.

28/08/2026

"Todo va revuelto". Desastre de la guerra, 42.

Entre 1810 y 1814, mientras España se desangraba en la Guerra de la Independencia (1808-1814), Goya grabó 82 estampas que rompieron con la tradición de su época: nada de héroes, nada de banderas, solo el sufrimiento real de quienes la padecen. Los Desastres de la guerra no retratan una contienda concreta, son el primer alegato visual contra todas las guerras.

26/08/2026

El modelo más inusual de Goya: arte y ciencia en el Madrid del siglo XVIII

Antes de retratar a reyes y nobles, un joven y desconocido Francisco de Goya tuvo un modelo mucho más exótico: una osa hormiguera gigante.
En 1776, la llegada de este animal desde Buenos Aires causó tal fascinación que el rey Carlos III ordenó retratarlo al natural, un privilegio casi exclusivo de la monarquía. Aunque el encargo recayó oficialmente en Mengs, el pintor de cámara, fue Goya quien realmente ejecutó la obra.

Lo más fascinante de este lienzo no es solo su rareza, sino su doble función. En un segundo plano, Goya pintó al animal durmiendo junto a un texto descriptivo. Sin saberlo, estaba creando una de las primeras fichas zoológicas ilustradas de España.

El animal, alojado en el Buen Retiro, apenas sobrevivió unos meses. Por ello, este cuadro es el único testimonio visual que conservamos de aquel asombroso episodio de nuestra historia.

¿Conocías este peculiar inicio en la carrera de Francisco de Goya?

24/08/2026

En muchas ocasiones, Goya firmaba sus cuadros de una forma original, habitando las escenas.
Te dejamos seis retratos, seis formas distintas de firmar.

Los retratos:
- Félix de Azara (1805)
- Gaspar Melchor de Jovellanos (1798)
- José Moñino y Redondo, I conde de Floridablanca (1783)
- Manuel Osorio Manrique de Zúñiga (1784–1792)
- Retrato de Sebastián Martínez y Pérez (1792)
- Miguel de Múzquiz, conde de Gausa (h. 1783)

21/08/2026

Boceto para el fresco Júpiter derrotando a los gigantes.
Francisco Bayeu y Subías (cuñado de Goya)

Hay guerras que se libran antes de existir.
Esta es la que Bayeu imaginó para el techo de un palacio: Júpiter, Hércules y Minerva contra la rebelión de los Titanes. Meses después, esta composición cubriría un techo entero.

Lo que ves aquí es el instante estelar de esa creación.

19/08/2026

Los frescos de la ermita de San Antonio de La Florida de Madrid, recientemente reabierta tras una rehabilitación acometida por , tienen una particularidad muy interesante: “las ángelas”. Fueron pintadas por uno de nuestros grandes artistas: Francisco de Goya.

La teología dice que los ángeles no tienen s**o, pero el pintor decidió tomarse sus propias licencias y los representó como mujeres aladas.

En las bóvedas se disponen ángeles femeninos sobre un fondo de cortinajes. Se las llama “ángelas” y fueron lo que más llamó la atención de los estudiosos del siglo XIX, que con un tono muy romántico las describían con “cutis de camelia, ojos de fuego y hermosura de meretriz”. Incluso alguno se confesaba enamorado de ellas.

Con razón insistieron en la importancia de estas figuras, representadas como mujeres de gran se*******ad y belleza, vestidas con suaves túnicas. Según la tradición, Goya había retratado en las “ángelas” a damas de la corte, en concreto a la duquesa de Alba (aunque esto es sólo una leyenda).

Visita la ermita de San Antonio de la Florida y contempla la magnificencia de estos frescos pintados por Goya, cuya temática principal versa en torno al milagro de San Antonio de Padua. El santo resucita a un mu**to para que testifique y pruebe la inocencia de su padre, acusado injustamente de un as*****to.

17/08/2026

Antes de convertirse en la crítica más sarcástica de su tiempo, cada Capricho de Goya pasaba por un proceso casi alquímico. Te lo contamos con el n.º 53: ¡Qué pico de oro!

1. El dibujo previo
Todo empezaba a mano alzada, en un cuaderno. Goya bocetaba la escena —aquí, cinco frailes embobados ante un loro predicador— antes de tocar el metal.

2. La plancha de cobre
El dibujo se transfería a una lámina de cobre cubierta con un barniz resistente al ácido.

3. El aguafuerte
Con un buril, Goya rascaba el barniz siguiendo las líneas del dibujo, dejando el metal al descubierto solo donde quería que "mordiera" el ácido.

4. El mordido
La plancha se sumergía en ácido. Donde el cobre quedaba expuesto, el ácido lo corroía, abriendo los surcos que después retendrían la tinta.

5. La estampación
Tinta en los surcos, papel húmedo, presión del tórculo. Cada estampa era una impresión única de esa plancha original.
Y entonces... la ambigüedad.

Goya sabía que el grabado por sí solo no bastaba. Necesitaba —y temía— la palabra. Por eso circularon varias explicaciones manuscritas de esta misma lámina, y ninguna dice lo mismo:

- La versión "oficial" (atribuida al propio Goya) habla de médicos que "hablan como un pico de oro" pero no curan a nadie: "discurre perfectamente de las dolencias y no las cura: emboba a los enfermos y atesta los cementerios de calaveras."
- Otra versión, más directa, no disimula: "oradores plagiarios con auditorios de necios."
- Y una tercera apunta sin rodeos a los propios frailes: predicadores que se copian entre sí mientras el público, embobado, escucha con la boca abierta.

14/08/2026

¡Duro es el paso!. Desastres de la guerra, estampa 34.

Una de las escenas de ejecución más impactantes de toda la serie, dentro de un grupo temático —junto a los Desastres 14, 15, 26, 28, 29, 31 y 39— dedicado a mostrar la extrema violencia represiva de la Guerra de la Independencia en ambos bandos.

La estampa presenta una ambigüedad semántica deliberada: ¿son afrancesados ajusticiados por las autoridades españolas, guerrilleros condenados por tribunales franceses, o una crítica velada a los sectores que convirtieron el conflicto en una guerra de religión? La historiografía ha propuesto lecturas distintas sin llegar a un consenso definitivo, y es precisamente esa falta de resolución la que sostiene la fuerza crítica de la imagen.

El lenguaje corporal, heredero de la tradición iconográfica religiosa, articula toda la carga dramática: las manos tensas de los verdugos que izan al reo, las manos atadas de este en gesto de súplica u oración, la mano autoritaria del sacerdote que bendice, y las manos inertes de los ahorcados al fondo. Los rostros completan el registro emocional: abatimiento, esfuerzo, sorpresa, poder.

El título mismo es una clave de lectura: el paso hacia la muerte es tan duro que el condenado no puede darlo por sí solo.

Pero el verdadero logro técnico de la estampa está en la captación del instante. Al fondo, dos cuerpos ahorcados todavía oscilan tras la escalera desde la que fueron arrojados, un detalle que Goya utiliza para congelar un segundo exacto de temporalidad, con una modernidad que hoy calificaríamos de cinematográfica. Este recurso, pionero en su época, reaparecerá después en El tres de mayo de 1808.

12/08/2026

En 1793, durante su convalecencia de seis meses en Cádiz, en casa de su amigo Sebastián Martínez, Goya tuvo acceso a una colección excepcional: cerca de 1.500 estampas y grabados, muchos de ellos censurados por la Inquisición por considerarse "indecentes".

Entre este material se encontraban reproducciones que Martínez había traído de sus viajes a Londres: obras de Joshua Reynolds, George Romney, Thomas Gainsborough, William Hogarth y William Blake.

Se ha señalado en la historiografía del arte que, en particular, la tradición satírica inglesa —representada por autores como Hogarth, Thomas Rowlandson y James Gillray— pudo influir en el desarrollo posterior de Los Caprichos.

Es importante matizar: no existe constancia documental de qué obras concretas vio Goya. Lo que sí es objeto de consenso es la coincidencia entre el enfoque crítico de estos grabadores ingleses (la sátira social y política mediante la caricatura) y el que Goya desarrollaría en su propia obra a partir de 1799.

La diferencia principal: mientras los satíricos ingleses solían señalar vicios y personajes concretos de su sociedad, Goya construyó una crítica más universal —de la superstición, la ignorancia y la corrupción eclesiástica y social— sin perder la mordacidad que caracterizaba al género.

10/08/2026

Goya nunca dejó de mirar lo mismo. Lo que cambió fue cuánto se atrevía a deformar.

Un tapiz para el despacho de un rey y un grabado para todos.

En "La boda", Goya pinta un matrimonio de conveniencia con la sonrisa todavía puesta: el novio es feo, sí, pero de una fealdad que hace gracia, que se puede colgar en un palacio.

Años después, en Los Caprichos, vuelve al mismo tema. Pero ya no hay palacio ni disimulo. El hombre ya no es feo: es una máscara. Goya deja de decorar y empieza a denunciar.

La misma crítica al matrimonio impuesto. Dos maneras distintas de contarla.

¿Cuál te inquieta más?

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