Cadic 星藝廊

Cadic 星藝廊 天上繁星閃閃,每一顆都是歷經時間洗禮,也代表著時間的力量
藝術作品有如每顆璀璨繁星,由藝術家以時間琢磨,並注入源源不絕的力量,創造出精緻的造型與細節。星藝廊匯聚時間的精華,為身在其中的您帶來心靈的滿足和

當三月的海風拂過維多利亞港,整座城市彷彿在一夜之間,從繁忙的金融節奏切換成了感性的藝術頻率。今年 Art Basel Hong Kong 2026 的開場白,不再是關於冷冰冰的交易數字,是一場溫柔的「覺醒」。展會總監樂思洋(Angelle ...
04/04/2026

當三月的海風拂過維多利亞港,整座城市彷彿在一夜之間,從繁忙的金融節奏切換成了感性的藝術頻率。

今年 Art Basel Hong Kong 2026 的開場白,不再是關於冷冰冰的交易數字,是一場溫柔的「覺醒」。展會總監樂思洋(Angelle Siyang-Le)曾分享一個動人的觀察:十多年前,香港常被戲稱為「文化沙漠」,如今,從 M+ 到大館,藝術已然滲透進這座城市的呼吸與街道。

這不再是 1% 精英的遊戲,而是屬於大眾的文化綠洲。而在這片綠洲中,最令人動容的莫過於今年最大膽的改版 —— 全新展區 「藝路迴聲」(Echoes)。

[ 時間的針腳:在 Tiffany Chung 的地圖裡,聽見遷徙的迴聲 ]
在馬德里 Max Estrella 畫廊 的展位上,越南藝術家 Tiffany Chung 的刺繡作品吸引了無數凝視。作為「藝路迴聲」展區的靈魂指標,她用最柔軟的絲線,縫合了最沉重的歷史記憶。

🎨 刺繡地圖:微觀下的宏大考古 Tiffany Chung 著名的刺繡地圖,細膩地勾勒出「香料之路」與人類歷史遷徙的軌跡。
地圖通常是權力的象徵,界線分明且冰冷;然而在 Tiffany 的手中,地圖變成了柔軟的織物。每一針、每一線的起落,都彷彿是遷徙者在荒徑上留下的足跡。

⏳ 藝路迴聲(Echoes):與「當下」共振的頻率 這個全新展區聚焦於藝術家在過去五年內的創作。之所以命名為「Echoes」,是因為這些作品正是藝術家對當代現實最即時、最誠實的回應。
在這個快速更迭的時代,藝術家近五年的作品往往帶著最鮮活的體溫。在 Tiffany Chung 的作品中,我們聽見了全球化背景下身分流動的低語,這種對時代的細膩體察,正是我們在這個展區中尋找的共鳴。

✨ 從沙漠到綠洲:大眾認知的華麗轉身 樂思洋提到的「計程車司機故事」,折射出香港藝術生態翻天覆地的改變。現在,大眾深刻體認到文化對經濟、教育的影響力。藝術應該是可親的、能激發思考的。 它正是在這種大眾認知的改變中,獲得了最強韌且動人的生命力。

地圖上的邊界可以被劃分,但藝術激發的共感卻是無界的。在「藝路迴聲」中,我們聽見的不只是藝術家的獨白,更是我們每個人與這個時代交織出的共同旋律。

📍 展出展區:Art Basel Hong Kong 2026 「藝路迴聲」(Echoes) ✨ 重點推薦:Max Estrella 畫廊 —— Tiffany Chung

👉 看著 Tiffany Chung 繁複的軌跡,您是否也想起了生命中某段重要的遷徙或轉折?歡迎在下方留言,與星藝廊分享您心中的那張「人生地圖」。

當經典的藝博會遇上最前衛的數位浪潮,藝術的定義正被重新書寫。今年 Art Basel Hong Kong 2026 最具話題性的亮點,莫過於首度引入亞洲的全新策展展區 「Zero 10」。這個展區的名字,致敬了 1915 年馬列維奇(Kaz...
03/04/2026

當經典的藝博會遇上最前衛的數位浪潮,藝術的定義正被重新書寫。今年 Art Basel Hong Kong 2026 最具話題性的亮點,莫過於首度引入亞洲的全新策展展區 「Zero 10」。

這個展區的名字,致敬了 1915 年馬列維奇(Kazimir Malevich)那場翻轉藝術史的傳奇展覽《0,10》。如今,它正以數位之名,開啟下一個藝術世紀。

「Zero 10」展區不僅是科技的展示,更是數位時代下人類情感的實體化。在眾多參展藝術家中,由 AOTM 畫廊 呈獻的 DeeKay,無疑是今年最觸動人心的座標。

🎮 懷舊遊戲語彙中的現代詰問 DeeKay 以標誌性的懷舊電子遊戲風格(Retro-game style)風靡全球。他的作品如《R U Ok?》,透過簡約動感的像素線條,溫柔地詢問著在快節奏社會中疲於奔命的我們。

這種風格看似輕快跳躍,實則包裹著極具深度的社會洞察。他在復古的視覺框限中,精準捕捉了當代人的焦慮、孤獨與渴望連結的本能。這是一種「像素化的詩意」,在最冰冷的數位位元中,我們反而看見了最純粹的人性溫暖。

城市即展場!投影於中環的數位史詩 另一件重磅作品《DeePle the People》更走出展廳,投影於中環標誌性的香港會所大廈幕牆上。這件探討集體行為與社會結構的作品,與中環穿梭的真實人群形成了奇妙的互文。

當虛擬的像素人物在鋼鐵叢林中躍動,藝術打破了實體與數位的邊界。它提醒著我們,在演算法與數據定義的時代,每個個體的微小躍動,依然構成著這座城市的靈魂。

數位藝術不再是邊緣 根據最新的全球收藏調查,數位藝術已躍升為高淨值藏家的前三大收藏類別。「Zero 10」的出現,象徵著數位媒材已正式進入藝術史的正典。誠如 Art Basel 執行長 Noah Horowitz 所言,這是一個支持實驗性實踐與市場成果並行的專業平台。

好的藝術不論媒材,最終都要回歸到對生命的關懷。在「Zero 10」裡,我們看見的不是冰冷的代碼,而是藝術家如何利用新技術,為這個時代守護住那份最真實的「體溫」。

展出展區:Art Basel Hong Kong 2026 「Zero 10」專區
AOTM 畫廊 —— DeeKay

在 DeeKay 那些躍動的像素小人中,您是否也看見了自己的身影?歡迎在下方留言,與星藝廊分享您對數位藝術新紀元的想像。

當我們穿梭在展場的四條走道,每一件大型裝置都在對應著宇宙的脈動。為您精選四元素中最動人的藝術視角:▎空(Void):無形關係的實體化由 康瑞璟(Suki Seokyeong Kang)、法貴信也與黃麗音呈現。這裡探討的是東亞美學中極其迷人的...
31/03/2026

當我們穿梭在展場的四條走道,每一件大型裝置都在對應著宇宙的脈動。為您精選四元素中最動人的藝術視角:

▎空(Void):無形關係的實體化
由 康瑞璟(Suki Seokyeong Kang)、法貴信也與黃麗音呈現。

這裡探討的是東亞美學中極其迷人的「夾縫」觀念。康瑞璟的作品並非追求填滿,而是捕捉那些無形的連結。她將二元對立的衝突化作柔和的實體,在看似「空」的留白處,讓我們看見記憶與時間如何交織。星藝廊觀點:藝術最高的境界,往往是在空無中看見最豐盈的存在。

▎水(Water):流動的文化檔案
匯聚了 帕拉格.坦德爾、阿里.貝瓦吉與楊子寬的作品。
藝術家們將水視為通往形而上學的入口。透過循環再造的紡織物與想像的山水,水在此刻化作了溫柔的護身符。它既能承載沉重的歷史記憶,也能展現二元之間流動的強韌。當文明在浪潮中拍打,藝術是那抹不滅的倒影。

▎火(Fire):破壞與創造的煉金術
由 江記、安永正臣與阿比查邦.韋拉斯塔古引領。
火是變革的化身。霓虹的迷幻、煉金的高溫與煙花的璀璨,在此揭露了被壓抑的政治記憶與時代的貪婪。火具有破壞力,卻也是創造的開端。在那份稍縱即逝的火光中,藝術家捕捉到了超越人類理解的時間跨度。

▎土(Earth):儲存未來的容器
展出 杰拉爾丁.哈維爾、胡尹萍與蘇珊.維克多的作品。
泥土是活的檔案。透過植物印染、鉤針編織與城市景觀的旋轉,土壤連結了勞動力與土地。它見證氣候變遷,也隱藏著殖民歷史。土,是生命的根基,也是孕育未來的容器。

▎場外亮點:在太古廣場傾聽「回響」
藝術的觸角延伸至展場之外,克里斯汀.孫.金(Christine Sun Kim) 的《A String of Echo Traps》正在上演。
這是一場關於「轉譯」的感官冒險。在繁華的商場中心,藝術家透過數碼動畫與聲音,深入探討回響的微妙關係。它捕捉了我們日常中被忽略的聽覺感知,讓喧囂化作詩意。

今年的「藝聚空間」透過四元素的導引,讓我們看見當代藝術如何與古老智慧對話,並在其中尋得安頓身心的勇氣。

📍 展出地點:香港會議展覽中心 及 太古廣場 Park Court 🗓️ 策展團隊:片岡真實、譚雪凝、Alia Swastika、德山拓一

👉 在這「空、水、火、土」四大元素中,哪一種力量最令您感到共鳴?歡迎在下方留言,與星藝廊一同探索藝術的宇宙觀。

當夜幕籠罩維多利亞港,65 米高的 M+ 幕牆 化作了一片深邃的數位海洋。今年 Art Basel Hong Kong 2026 最具靈魂的公眾藝術,莫過於巴基斯坦裔美籍藝術家 Shahzia Sikander 的巨型動畫作品《3 to 1...
28/03/2026

當夜幕籠罩維多利亞港,65 米高的 M+ 幕牆 化作了一片深邃的數位海洋。

今年 Art Basel Hong Kong 2026 最具靈魂的公眾藝術,莫過於巴基斯坦裔美籍藝術家 Shahzia Sikander 的巨型動畫作品《3 to 12 Nautical Miles》。

手感溫度的數位長征 在算法與冷硬像素充斥的時代,Sikander 選擇了一條最具「體溫」的路。她將細膩的手繪水彩轉化為流動的光影。凝視幕牆,你會發現那些線條並非生冷的幾何,而是帶著呼吸感、彷彿筆尖掠過紙面留下的渲染水漬。這種對「人本價值」的堅持,讓巨型屏幕不再只是冰冷的科技,而是承載情感的容器。

權力邊界的溫柔消融 作品標題「3 到 12 海里」取自法律上的領海定義,那是主權的起點,也是排他的邊界。然而,在 Sikander 的視覺語彙中,這些冰冷的界線被揉合成了溫柔的圖騰。

藝術的天職,是在世界忙著劃界時,優雅地拆解隔閡。 那些交織的航道訴說著 19 世紀至今的貿易與權力,卻也提醒著我們,文明本就生長於交匯與融合之中。

夜色中的視覺交響 這是一場「陰柔的強韌」表現。宏大的歷史敘事被包裹在如絲綢般的線條裡,既像古老的地圖軌跡,又像神祕的海洋生物。當這些光影映照在維港海面上,大海本身也成了作品的一部分,與藝術家一同訴說著那些跨越國界的、關於「存在」的故事。

藝廊不應只是作品的陳列室,而是心靈與世界接軌的轉譯站。真正的藝術,能帶領我們在喧囂的時代裡,導航出一條通往真理的航道。

展出地點:M+ 幕牆 (M+ Facade)
展出時間: 3 月 23 日至 6 月 21 日在 M+ 外牆上展出

今晚若您在港邊,請試著放下鏡頭,給自己三分鐘的靜默凝視。在那片光影中,您是否也看見了某種「邊界的消融」?

在 2026 年斐列茲洛杉磯藝博會(Frieze Los Angeles)那片充滿加州陽光的聖莫尼卡機場跑道上,一座噴泉靜靜地矗立著,卻發出了足以蓋過喧囂的低語。這是藝術家 Cosmas & Damian Brown 的首件大型公共藝術作品...
12/03/2026

在 2026 年斐列茲洛杉磯藝博會(Frieze Los Angeles)那片充滿加州陽光的聖莫尼卡機場跑道上,一座噴泉靜靜地矗立著,卻發出了足以蓋過喧囂的低語。這是藝術家 Cosmas & Damian Brown 的首件大型公共藝術作品《Fountain: Sources of Light》。

這不只是一座裝飾性的雕塑,而是一場跨越神話、物質與當代生存壓力的「沉浸式儀式」。

雙生聖醫的基因:從墨西哥瓦哈卡到 Tlaloc Studios

藝術家的名字源自三世紀著名的雙生聖醫兄弟 Cosmas 與 Damian,這份淵源似乎預示了他對「療癒」與「共生」的終身迷戀。布朗生於巴黎,成長於墨西哥瓦哈卡的鄉村,那片土地特有的色彩、祭儀與神聖感,在他心中埋下了「泛靈論」的種子。

定居洛杉磯並於 Tlaloc Studios 創作的多年間,曾沉迷於摩托車維修,對「機械構造」的理解,與他對「物體靈魂」想像的結合。

布朗的作品始終在探討:現代人如何將情感注入無生命的物件,使其成為承載記憶的容器?

水火二元:一場關於「持續」的集體冥想

在《Fountain: Sources of Light》中,我們看見了極致的對比:
🔺六個陶瓷頭像:質樸的肌理宛如古代神祇,環繞著中央湧出的泉水。
🔺煙霧與水流:每個頭像如香爐般升起煙霧,象徵火的溫柔守護;而永不止息的水流,則在乾旱的洛杉磯顯得格外珍貴且沉重。
🔺互動的聲響:最動人的部分在於,觀眾被邀請親手重組下方的金屬容器。當你移動容器,水流撞擊的聲響與節奏隨之改變。那一刻,你的身體成為了作品的延伸,你參與了這場關於流動的創作。

從「硬殼」到「柔軟內在」的社會實踐

這件作品最珍貴之處在於它融入了 Art Sundae 青少年工作坊。孩子們在金屬容器上的繪畫被永久納入噴泉,這讓公共藝術不再是高高在上的紀念碑,而是社區情感的實體結晶。

布朗在 2025 年的展覽《Hard Body Soft》中曾探討過「硬殼與柔軟」的對話。這座噴泉正是這種理念的集大成:冷冽的金屬與堅硬的陶瓷是「殼」,而其中流動的水、飄散的煙與孩子的想像力,則是那最「柔軟」且具療癒力的核心。這不是一件靜止的藝術品,它是這座城市呼吸的證據。

藝術家相信,平凡的物件只要被賦予情感,就能成為靈魂的容器。

「回想你生命中那些不起眼的『容器』或許是一只使用了十年的舊瓷杯、一個裝滿票根的抽屜、或是一段反覆咀嚼的回憶。它們曾為你承載過什麼樣的重量與溫柔?如果將這份重量化作聲響,它會是清脆的水聲,還是緩緩上升的煙霧?」

歡迎在下方留言分享你的「心靈容器」,讓我們一起在藝術的流動中,找回最純粹的觸感。

當數位工具不再只是創作的畫筆,而是一座無形的監獄,藝術家該如何突圍?2026 年威尼斯雙年展台灣館,藝術家李亦凡與策展人哈法艾爾・馮希卡(Raphael Fonseca)將聯手呈現《鬱卒的平面(Screen Melancholy)》,在古老...
11/03/2026

當數位工具不再只是創作的畫筆,而是一座無形的監獄,藝術家該如何突圍?

2026 年威尼斯雙年展台灣館,藝術家李亦凡與策展人哈法艾爾・馮希卡(Raphael Fonseca)將聯手呈現《鬱卒的平面(Screen Melancholy)》,在古老的威尼斯監獄中,重構一場關於「影像監管」的當代寓言。

創作核心:藝術家與軟體的「殊死戰」

星藝廊最欣賞李亦凡之處,在於他對創作過程的誠實。他曾形容創作是一場「藝術家與軟體之間的殊死戰」。

在現代,我們無可避免地依賴 Unreal Engine、AI 生成或動態捕捉等工具。李亦凡並不只是順從這些科技,他反而在疲憊與抗衡中,挖掘出科技背後的控制欲。他像是一位「數位操偶師」,在螢幕背後低語,將人類的恐懼、慾望與那種無以名狀的「鬱卒」,轉化為跳躍式、百科全書式的動態影像。

空間寓言:普宮中的影像監禁

這次展覽選址於曾是監獄的普里奇歐尼宮(普宮),這與李亦凡關注的「影像監管」議題產生了一種很有趣的對話:
虛實迷宮:他利用普宮如迷宮般的結構,置入誇張的人體雕塑與錄像,讓觀者在廊道間感受「物質碎片化」的焦慮。

螢幕的平面化:策展人馮希卡指出,「鬱卒」在台灣文化中帶有獨特的音韻與情感記憶。當世界被螢幕壓扁成「平面」,那種因疏離而產生的空虛感,正是千禧世代共有的「螢幕憂鬱」。

黑色幽默下的存在主義

李亦凡的作品總是帶著一種「戲謔的悲觀」。他模仿線上教學頻道的語氣,在作品中自言自語、探討陰謀論,甚至是科技發表會。這種黑色幽默並非單純的搞笑,而是在資訊爆發的時代中,一種保護自我的姿態。

藝術應當反映人類真實的生存狀態。 李亦凡讓我們看見,即便身處於被軟體定義的世界,我們依然能憑藉「鬱卒」這種極其個人的情緒,去抵抗扁平化,去證明我們身為「人」的獨特性。

當我們每天盯著手機、電腦螢幕,感受著數位世界帶來的便利與疏離感時,我們是否也正慢慢變成被螢幕「囚禁」的角色?

「想像你正站在 16 世紀的威尼斯監獄裡,看著螢幕中那個扭曲、呢喃的數位人偶。那一刻,你覺得你是那個操控的人?還是被觀看的那個?當理性無法解釋一切,你會用什麼樣的情緒來回應這個時代?」

歡迎留言分享你的「螢幕感傷」,讓我們一起在李亦凡的作品中,尋找數位荒原裡的靈魂出口。

當全球藝術界的目光再度聚焦於這座水上之都,2026 年的第 61 屆威尼斯雙年展(5/9 - 11/22)展現了一種前所未有的溫柔與內省。策展靈魂:已故策展大師 Koyo Kouoh 的最後遺念本屆雙年展以《小調》(In Minor Key...
08/03/2026

當全球藝術界的目光再度聚焦於這座水上之都,2026 年的第 61 屆威尼斯雙年展(5/9 - 11/22)展現了一種前所未有的溫柔與內省。

策展靈魂:已故策展大師 Koyo Kouoh 的最後遺念

本屆雙年展以《小調》(In Minor Keys)為題,這是已故傳奇策展人科約.庫歐(Koyo Kouoh)留給世人最後的藝術遺產。不同於往年追求壯闊、激昂的集體敘事,Kouoh 邀請我們進入一個低音頻率的世界。

「小調」在音樂中往往代表著憂鬱、私密與細微。這場展覽將威尼斯的展館轉化為一個**「感官修復的棲所」**。在混亂的國際局勢與資訊洪流中,藝術不再是叫囂的工具,而是讓我們安頓身心、重新校準感知的微弱光火。

台灣館焦點:李亦凡的《鬱卒的平面》

在這股內斂的風潮中,台灣館再度於普里奇歐尼宮(Palazzo delle Prigioni)綻放異彩。策展人哈法艾爾・馮希卡(Raphael Fonseca)與藝術家李亦凡聯手,推出了震撼人心的《鬱卒的平面》(Screen Melancholy)。

李亦凡精準地捕捉了 2026 年我們的共同焦慮:當 AI 應用爆發,我們的生活被無數螢幕「扁平化」後,靈魂該往哪裡去? 透過遊戲引擎與錄像裝置,他揭示了數位介面如何規訓我們的雙眼。那種既依賴科技又感到窒息的「鬱卒感」,在威尼斯古老監獄空間的映襯下,顯得格外真實而刺痛。

在微光中找回連結

越是喧囂的時代,越需要安靜的力量。
從威尼斯的《小調》到台灣館對螢幕焦慮的辯證,2026 年的藝術在微光中找回連結情勢正告訴我們「內省」就是最強大的反抗。 我們不需要總是昂揚前行,有時候,在小調的旋律中承認自己的脆弱與鬱卒,反而能讓我們在數位荒原中,找回身為人最真實的溫度。

當我們每天睜開眼就陷入無盡的螢幕介面,感知被徹底扁平化時,你是否也曾感到那種莫名的「數位鬱卒」?

「如果你的生活是一首曲子,現在的你正處於昂揚的大調,還是需要溫柔修復的小調?在李亦凡的作品前,你是否看見了那個被困在螢幕後的自己?」

歡迎留言與我們分享你的感官故事,讓我們在威尼斯的微光中,一起尋找出口!! #威尼斯雙年展 #李亦凡 #藝術

在 2026 年的洛杉磯藝術週,如果你在 Frieze LA 的機場跑道上看見一位女性正推動著 16 英尺高的巨型地球緩慢前行,或者在 Hammer Museum 看見四扇巨大如紀念碑的養老院房門,你便進入了 Amanda Ross-Ho ...
07/03/2026

在 2026 年的洛杉磯藝術週,如果你在 Frieze LA 的機場跑道上看見一位女性正推動著 16 英尺高的巨型地球緩慢前行,或者在 Hammer Museum 看見四扇巨大如紀念碑的養老院房門,你便進入了 Amanda Ross-Ho 的世界。

家族的火炬:從芝加哥的暗房到洛杉磯的展廳

Amanda 的創作靈魂,深深植根於她那充滿藝術氣息的童年。1975 年出生於芝加哥的她,父母皆是 60 年代的藝術先行者。她形容自己的創作就像是一場接力賽,從父母手中接過了對物質、攝影與空間的敏感度。

有趣的是,她曾接受過 12 年競技花式滑冰的嚴苛訓練。這種日復一日、枯燥卻追求極致優雅的勞動,最終演化成她藝術中的核心哲學:重複,是通往自由的唯一路徑。

門檻上的指紋:當日常物件成為「推測性檔案」

在最新的 Made in L.A. 2025 展覽中,她的作品《Untitled Thresholds (Four Seasons)》震撼了無數觀眾。她將父親與姑姑養老院的房門精準放大至 170%,並還原了門上隨季節更迭的裝飾—萬聖節的南瓜、聖誕的彩燈。

這在藝術理論中被稱為「推測性檔案」(Speculative Archive)。她不只是在記錄生活,而是在透過「比例的失真」,強迫我們直視那些被忽視的細節:照護的沉重、衰老的緩慢,以及時間在門把上留下的溫柔指紋。當門被放大,原本平凡的進出動作,便演變成了一種神聖的儀式。

在「巨大」中尋找「親密」

好的藝術能讓我們在群體中看見自己。Amanda Ross-Ho 的高明之處,在於她利用了「疏離效果」(Alienation Effect)。

透過放大的比例(Scale),她讓那些我們理所當然以為擁有的日常物件一扇門、一張泛黃的照片、一個地球儀變得陌生且巨大。在這種「陌生感」中,我們反而能卸下心防,重新去感受那份隱藏在物質背後的、最私密的親密關係。

她讓我們看見:家不是靜止的背景,而是持續在我們身上刻下印記的活體。

Amanda 曾說,她的作品是在測量「時間與陪伴的重量」。

「回想你小時候的家,是否有哪一個微小的『不完美』牆上的一道裂痕、一扇總是關不緊的門、或是一張被水漬模糊的照片,至今仍悄悄影響著你看待世界的方式?如果把它放大,它會對你訴說什麼樣的故事?」

歡迎在下方留言分享你的記憶碎片,讓我們一起在這些隱藏的風景中,找回最真實的自己。

當藝術不再只是靜止的觀看,而是一場需要體溫與力量參與的「行動」,它便與我們產生了真正的連結。2026 年的 Frieze Los Angeles(2/26-3/1)在聖莫尼卡機場再次證明:當代藝術正全面邁向「參與式轉向」(Participa...
05/03/2026

當藝術不再只是靜止的觀看,而是一場需要體溫與力量參與的「行動」,它便與我們產生了真正的連結。

2026 年的 Frieze Los Angeles(2/26-3/1)在聖莫尼卡機場再次證明:當代藝術正全面邁向「參與式轉向」(Participatory Turn)。

負重前行:Amanda Ross-Ho 的巨型地球

今年最震撼視線的莫過於 Amanda Ross-Ho 的作品《Untitled Orbit (MANUAL MODE)》。這顆巨大的充氣地球,表面覆蓋著靈感源自土耳其市集地毯與布料的紋理,在機場跑道上由人群合力滾動。

這不僅是一場趣味的表演,更是一次深刻的隱喻。Ross-Ho 運用了「身體現象學」的概念,讓觀眾在推動巨大球體的過程中,親身體會到「承載世界重量」的沉重與荒誕。那一刻,你推動的不是充氣球,而是我們共同生活的地球脈動。

聲響的儀式:Cosmas & Damian Brown 的互動噴泉

如果說巨型地球是力量的對話,那麼 Cosmas & Damian Brown 的《Fountain: The Light》陶瓷噴泉則是靈魂的療癒。這組噴泉允許觀眾親手介入,透過觸碰與遮蔽,改變水流噴湧的節奏與聲響。

這件作品探討了「偶然性音樂」(Aleatory Music)在空間中的實踐,每一位參與者的手勢,都即興創作了一首專屬於當下的水聲樂章。在紛擾的藝博會現場,它提供了一處感官的留白,讓我們重新找回與物質世界的親密節奏。

從「觀看」到「共同創造」

2026 年的國際藝術情勢正從「物件崇拜」轉向「經驗共享」。從 Frieze 的巨型裝置,到同步舉行的 Felix Art Fair,藝術不再是高冷的存在,而是鼓勵我們去推動、去觸摸、去聆聽。

這種「沉浸式與互動性」的主導地位,象徵著新一代觀眾對真實體驗的渴求。我們不再只是藝術的旁觀者,而是作品完成的最後一塊拼圖。

當藝術品需要你的參與才能「完整」時,這件作品的一部分是否也從此留在了你的生命裡?

「面對這兩件截然不同的公共藝術,你會選擇與眾人合力滾動那顆承載重擔的巨型地球?還是獨自坐在陶瓷噴泉旁,用指尖編織一首水之歌?」

如果藝術是一場社會實驗,那麼 2026 年二月底的洛杉磯,就是全球當代藝術最激進的實驗室。今年的 LA Art Week 展現了一種前所未有的「去中心化」野心。這是一次關於城市地理、公共權力與觀看方式的集體改寫。從機場跑道、飯店客房到 Ec...
04/03/2026

如果藝術是一場社會實驗,那麼 2026 年二月底的洛杉磯,就是全球當代藝術最激進的實驗室。

今年的 LA Art Week 展現了一種前所未有的「去中心化」野心。這是一次關於城市地理、公共權力與觀看方式的集體改寫。從機場跑道、飯店客房到 Echo Park 的舊倉庫,藝術正在拆解傳統的「白盒子」框架,測試創意如何與城市日常、政治現實以及社區靈魂產生真正的共振。

亮點一:Frieze LA——將「公共性」推向主戰場
重返聖莫尼卡機場的 Frieze Los Angeles 2026,正試圖撕掉「純商業博覽會」的標籤。
由 Art Production Fund 策劃的 「Frieze Projects: Body & Soul」 公眾計畫,將身體視為感知世界的入口。藝術家 Amanda Ross-Ho 推動 16 英尺巨型地球的行為表演,不僅是對體力的考驗,更是對當代集體焦慮的身體化測試;而 Patrick Martinez 的霓虹裝置,則在入口處直視移民與政治現實。
Frieze 不再只是把全球畫廊搬進洛杉磯,而是將「城市本身」當成媒介。這種轉向讓藝博會更接近「雙年展」的敘事邏輯,測試藝術制度是否真能介入公共議題,而非僅僅是資本的盛宴。

亮點二:Felix Art Fair——飯店客房裡的劇場
相對於機場的宏大,駐紮於好萊塢羅斯福酒店的 Felix 則上演了一場溫柔的反叛。
在這裡,觀眾走進的不是展位,而是客房與泳池畔。2026 年的 Felix 強調材質實驗與身體敘事,許多藝術家透過織物、陶土探討邊境記憶與種族身份。
在全球藝博越做越大的今天,Felix 選擇「縮小場域」來強調對話的親密性。它將收藏從冰冷的金融操作中拉回,重新放置於個人情感與居家場景中,成功回應了當代對藝術市場「過度去人性化」的擔憂。

亮點三:新興社群博覽會——改寫權力與地理
今年最令人振奮的,是如 ENZO 與 Butter Fine Art Fair 等小型實驗空間的崛起。
在 Echo Park 舊建築裡舉辦的 ENZO,聚焦紐約下東城與華埠的實驗能量;而好萊塢公園的 Butter Fair,則強調藝術家與藏家的直接對話,致力於更公平的資源分配。
這些小型園區將藝術週從單一中心(Frieze)擴散為多核心結構。這不僅是對傳統藝博權力的「制度性評論」,更提出了一種更本地化、更具社群韌性的藝術經濟想像。

2026 年的洛杉磯藝術週告訴我們:未來的國際級藝術週,必須同時是市場、社區與制度的實驗場。當藝術脫離了神聖的殿堂,走入飯店浴室、機場跑道與街頭角落,它所激發出的,才是真正屬於這個時代的、具有修復力的美學。
當藝術品不再只是牆上的標籤,而是你在飯店房間轉身遇見的驚喜,或是你在機場跑道旁共同推動的重量:

「你認為藝術最迷人的時刻,是在安靜、神聖的美術館裡與它對望?還是在混亂、真實的城市街角與它意外邂逅?如果城市是一個大型實驗室,你最希望被藝術改變哪一個日常角落?」

留言分享你的觀察,讓我們一起在 2026 年的藝術浪潮中,看見城市未來的形狀。

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Taipei
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