Each Modern 亞紀畫廊

03/06/2026

｜即將展出 Upcoming｜安通庫恩斯特：Subjects

展覽前夕，帶您一探藝術家安通庫恩斯特的工作室。

花卉長久以來始終存在於安通庫恩斯特的繪畫之中，然而它們從未是真正的主題。對藝術家而言，自然並非單純供人欣賞的對象，而是一個關於觀看、慾望與權力關係得以展開的場域。

Each Modern 亞紀畫廊欣然宣布將於 6 月 13 日推出安通庫恩斯特第三次於畫廊舉辦的個展《Subjects》。

本次展覽呈現藝術家重要的全新創作系列，延續其長期對花卉與人物形象的探索，同時進一步探討美的誘惑性，以及自然、權威與個體之間持續存在的張力關係。

A glimpse into Antone Könst's studio.

Flowers have long been present in Könst's paintings, yet they are never the true subject. For the artist, nature is not simply something to be admired, but a site through which questions of looking, desire, and power unfold.

We are delighted to announce "Subjects", Könst'a third solo exhibition with Each Modern, opening on 13 June.

Featuring an important new body of work, the exhibition extends the artist's long-standing engagement with flowers and figures, while turning its attention toward the seductive nature of beauty and the enduring tensions between nature, authority, and the individual.

｜展覽資訊｜

安通庫恩斯特：Subjects
Antone Könst: Subjects
13 June – 25 July 2026

02/06/2026

｜即將展出 Upcoming｜安通庫恩斯特：Subjects

Antone Könst: Subjects
13 June – 25 July 2026

亞紀畫廊很高興呈現藝術家安通庫恩斯特（Antone Könst）的個展「Subjects」，這是藝術家第三次於亞紀畫廊舉辦個展。

進入 Antone Könst 的創作時，或許應暫時放下象徵解讀與具象繪畫所附帶的敘事負擔。藝術家往往有意避開明確的故事與意義，轉而透過形式性的手段，營造一種持續低鳴般的氛圍。他的繪畫領域因此更像是一種「空間底噪（room tone）」——由重複、擦除與觀念之間的游移所刻意建構而成。在這樣的系統中，每件作品都維持著某種清晰性；Könst 不追求晦澀，而是尋找一種持續振動的視覺頻率，一種能形成整體感知場域的美學節奏。

這是一種沒有條約、也沒有固定宣言的創作方式——更接近漂移，而非命令。他在情感、表演與權力等主題之間進出游移，同時維持其視覺語法的一致性。他對自己的創作語境十分自信，卻也持續測試其邊界。這不是逃離，而是一種感知上的校準——對圖像如何生成、如何轉變保持高度敏感。他關注的是觀看與觀察本身，而非寓言式的結論。這種持續生成中的語言，往往由花朵、人物、動物與奇異角色所構成，成為他視覺宇宙的主要軌道。

Könst 對圖像來源的運用極為克制。他追隨某些視覺上的親和性，卻不忠於任何特定時代或類型，而是將這些元素作為持續探索的一部分。其作品中可見古典雕塑、中世紀建築、荷蘭經典繪畫的痕跡，也包括老動畫、植物分類攝影等素材；某些時候，也能隱約感受到 Milton Avery 對色彩作為主要力量的理解，或 Piet Mondrian 早期植物題材的殘響。然而，Könst 並非引用這些歷史，而是將其中的觀念拆解、轉譯並納入自己的運作系統。每一幅畫因此從原有脈絡中被解放，透過他的構圖程序獲得自主性。沒有任何元素只是玩笑式的挪用；所有東西都在同一個想像建築中被反覆啟動與再啟動。世界向藝術家施壓，而他則吸收並重新組構它。

在《Subjects》這組展覽作品中，一些熟悉的元素再次出現，尤其是臉孔與層疊的花卉形式。但這一次，Könst 更將焦點放在「表演性」之上。那些行屈膝禮的女性形象，是近期的新發展，延續了他過去作品中音樂家、舞者與雜耍者的脈絡。他同時聚焦於這種身體姿態的編舞性，以及其所隱含的權力政治——被觀看、被指涉、成為主體，從來不是舒適的位置。這種尷尬與不穩定，正是他最新作品所呈現的狀態。

這些畫面內部充滿活動：高密度的色彩、近乎芭蕾般的線條，以及持續累積的構造，共同形成穩定而脈動的節奏。因此，人們常以音樂語彙來談論他的創作。在工作室裡，Könst 也認為這些畫就像聲音結構一般——一個整體場域之中，有即興段落、變奏與對位不斷循環。他的工作方式快速、衝動、卻又極其嚴謹，近乎一種繪畫式即興演奏。尤其在大型畫布上，這種尺度讓他得以在單一畫面中同時推進多種不同的想法。

例如在《Fire (Moon Rise)》與《Fire (Moon Setting)》中，Könst 探索的是「透過一個東西去看另一個東西」的觀看經驗。這同時也是關於光——而非我們通常將火聯想到的毀滅與暴力。類似的「穿透觀看」效果，也出現在《Olive Oyl》這件 Shelley Duvall 的肖像中；畫面在最終狀態與其製作過程累積的痕跡之間閃爍。藝術家畫框本身的材質與色彩，也進一步強化了這種累積性的特質——觀者會意識到表層顏料之下仍埋藏著更安靜的色調，筆觸甚至延伸並回響至畫框邊界。

歸根究柢，這些畫並不是要「告訴你什麼」。它們更像是在不同感知節奏之間蠕動、孕育。透過堆積、擦除與修訂，Könst 最終從一種不穩定的秩序中，提煉出某種連貫而完整的回應。

－ Reilly Davidson（美國策展人／寫作者）

Image: 安通庫恩斯特 Antone Könst, Heavy Hibiscus, 2026, 亞麻布油彩、顏料棒、炭筆 oil, pigment stick, and charcoal on linen, 208.5 x 173 cm

31/05/2026

｜ARCOlisboa 2026｜Shohei Takasaki

Shohei Takasaki（1979 年出生於日本；現居雪梨）在定居雪梨之前，曾居住於日本與波特蘭。他帶來了一種截然不同的迫切感與動態能量。

他的油畫與素描作品由快速且直覺的標記所驅動，捕捉了思想的即時性與衝動的不可預測性。充滿活力的線條與鮮艷的色彩碰撞，使畫面呈現出一種兼具「刻意構建」與「即興發揮」的特質。

他的作品已進入多家知名機構的公共收藏，如西雅圖的星巴克總部和波特蘭的 Hoxton 酒店。

ARCOlisboa 2026
Booth G01 | 安通庫恩斯特、Shohei Takasaki
May 28 - 31, 2026
葡萄牙里斯本Cordoaria Nacional

30/05/2026

｜ARCOlisboa 2026｜安通庫恩斯特 Antone Könst

安通庫恩斯特的作品展現了一種高度精煉的繪畫語法。畢業於耶魯藝術學院的他，擅長將生活中的平凡客體——如動物、花卉或表演者——轉化為具備雕塑質感的符號。

庫恩斯特的「繪畫性」體現在其對平面性與邊界處理的極致掌握。他利用低飽和度的色彩與軟邊幾何形狀，在畫面上構建出一種如同詩意夢境般的層次感。

對庫恩斯特而言，繪畫是一場關於構成的實驗，他將情感隱藏在冷靜的層疊之中，讓畫布表面呈現出一種絲滑卻具有重量的物質性。

ARCOlisboa 2026
Booth G01 | 安通庫恩斯特、Shohei Takasaki
May 28 - 31, 2026
葡萄牙里斯本Cordoaria Nacional

29/05/2026

｜藝博會｜許炯《新草書》系列現正於北京畫廊週展出

「我從小記得母親身上有一種特殊的香氣，後來才曉得，那是蘭的味道。所以自打離開江南、寓居北京之後，就一直有養。北地幹燥，蘭在這里活得勉強，所幸年年都開。每到花開時節，滿室幽香，沁人心脾，讓人有安全感。

又是仲春。北京的花開得如火如荼，一根枝上能攢出近百朵來，這般盛況，江南是鮮有的。開得越盛，落得也越多。我常常對著花與落花出神，瞇起眼睛望去，那紛紛揚揚的樣子，像一場燒不盡的火。於是便想起初中時的語文老師——一位極愛文學與詩歌的女士，身上有種說不出的感染力。那幾年，我跟著她，深深地迷上了詞。“落花流水春去也，天上人間。”這句刻在青春里，似懂非懂，忘不掉。

“天上人間”，李後主為何要寫出這樣一句來？那時候真的很想弄清楚。我從小到大，沒經歷什麼坎坷挫折，一路平平順順地走過來，竟也就這麼到了北京，一住十多年。圈子不大，日子也簡單：看花、看山、看畫、看書，看好朋友相知相愛、彼此陪伴這十幾年的光景。慢慢地，好像也明白了——所謂天上人間，原來就是我自己呀。

一個做著白日夢，願堅守真善美，幼稚、狹隘、又倔強的中年人。

其實我也就是一只蟬，在地下蟄伏幾年，破土而出，爬一爬、唱一唱、飛一飛，再留下一個輕薄的蛻，被做成玉，或留在青苔上。」

—— 許炯，2026年寫於北京

許炯：如花、如火、如我、如蟬
May 22 - 31, 2026
畫廊週北京
北京798藝術區A07棟301

28/05/2026

｜藝博會｜葡萄牙里斯本ARCOlisboa盛大開幕

葡萄牙里斯本ARCOlisboa於今日盛大開幕，亞紀畫廊很榮幸帶來安通庫恩斯特、Shohei Takasaki的雙人展位。開幕首日，兩位藝術家持續得到關注與好評，畫廊展位也獲選為本屆展會的重點導覽內容，迎來葡萄牙文化部長、里斯本市長的蒞臨以及葡萄牙廣播電視台的採訪。

ARCOlisboa 2026
Booth G01 | 安通庫恩斯特、Shohei Takasaki
May 28 - 31, 2026
葡萄牙里斯本Cordoaria Nacional

27/05/2026

26/05/2026

｜藝術家消息 Artist News｜郎靜山 Lang Jingshan

亞紀畫廊榮幸宣布，郎靜山創作於1940年的大師之作《雲風鳥羽》已獲芝加哥藝術博物館（The Art Institute of Chicago）正式典藏。此為亞紀畫廊獲得文化黑潮之國際藝術展會補助參加Paris Photo巴黎攝影博覽會的成果。

郎靜山獨樹一幟的「集錦攝影」為自然與景觀賦予了鮮明的東亞視野——這種視覺語彙並非單純流於寫實主義的攝影紀錄，而是深植於文化想像、傳統畫意，以及對自然萬物的內在體悟。

此幅珍貴作品近期將於芝加哥藝術博物館的展廳對談中矚目亮相，作為探討亞洲繪畫與攝影中「理想山水／風景」跨文化對話的核心文本。

Each Modern is pleased to announce the acquisition of Lang Jingshan's Birds Twittering amid Cloud-clad Peaks (1940) by the Art Institute of Chicago.

Lang's composite photography offers a distinctly East Asian vision of nature and landscape-one rooted in cultural imagination, painterly tradition, and an internalized understanding of the natural world, rather than photographic realism alone.

The work will soon take center stage in an upcoming gallery conversation at the Art Institute of Chicago, serving as a key reference in a cross-cultural discussion of ideal landscapes in Asian painting and photography.

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Image: 郎靜山 Lang Jingshan, 雲風鳥羽 Birds Twittering amid Cloud-clad Peaks, 1940, Dated “au printemps 1940” on verso, 銀鹽相紙 vintage gelatin silver print, 38 x 30.5 cm

06/12/2025

｜Last Day｜藝術家伴侶：彼此為鏡 Artist Couples: Mutual Reflections

在《藝術家伴侶：彼此為鏡》接近尾聲之際，我們愈加感受到：
這檔展覽其實是在訴說一件最簡單也最困難的事 — 人在彼此之間如何理解、共存、對話、凝望。

如同 Richard Tuttle 所說：
抽象、數字、顏色與世界的結構之間，存在著看不見卻一直影響著我們的絲線。這些「看不見的東西」，也正是伴侶、友情、親密、藝術彼此牽引的方式。

Richard Tuttle 的作品以最日常的形式——木頭、紙張、顏料——體現了最複雜的尋問：

我如何理解你？

我們如何理解世界？

很高興，這樣一個關於關係、時間、抽象與深度對話的展覽，是我們今年的最後一檔展覽。

謝謝每一位走進這裡的觀眾、討論、分享、感動過的你；也帶著未完的對話迎向2026的下一個展期。

As Artist Couples: Mutual Reflections enters its final days, we are reminded that the exhibition touches on something both simple and elusive:
how people meet, understand, and mirror one another.

Richard Tuttle suggests that abstraction—numbers, colors, forms—is never merely formal. Invisible structures bind ideas and people together:
quiet threads linking intimacy, thought, memory, and making.

In his work, ordinary materials open questions as large as:

How do we understand one another?

How do we understand the world?

As Tuttle writes, “Various colors interpenetrate number and concept… striations laid down by something within the structure that holds concepts apart from things.”